Inscrite au Patrimoine Mondial de l’Humanité par l’Unesco en 1980, l’église de Santa Maria delle Grazie a été construite par l’architecte Guiniforte Solari entre les années 1463 et 1482. Seulement quelques années après, elle a été restaurée par Bramante en façonnant son apparence actuelle.

Mis à part d’être un édifice majestueux, cette église est connue pour abriter, sur le mur nord de son réfectoire, l’une des oeuvres les plus remarquables de Léonard de Vinci et de la Renaissance italienne : La Cène.

Tout au long de cette article, nous allons évoquer les vicissitudes historiques de cette important monument depuis son origine au XVème siècle jusqu’à sa situation actuelle.

CONSTRUCTION

La première phase de construction de Santa Maria delle Grazie a commencé en 1463 sous la houlette de l’architecte Solari. Cet artiste a été chargé également de terminer l’Ospedale Maggiore, qui avait été mis en œuvre quelques années auparavant par l’architecte Le Filarète, et ensuite d’effectuer les travaux du Dôme de Milan (Cathédrale de la Nativité-de-la-Sainte-Vierge de Milan) et de la Chartreuse de Pavie.

À la demande du duc de Milan, Francesco Sforza, Solari a construit un couvent dominicain et une église sur des terrains donnés à la congrégation dominicaine de Sant’Eustorgio en 1460 par le comte Gaspard Vimercati, général des milices du duc de Milan. Ces terrains accueillaient une chapelle sous le vocable de Santa Maria delle Grazie (Sainte Marie des Grâces), décorée avec des fresques de la Vierge, était également un présent de  Gaspard Vimercati.

Les travaux du couvent ont été terminé en 1469, mais ceux de l’église ont duré quelques années de plus, jusqu’en 1482. Le plus remarquable de l’église construite par Guiniforte Solari est sans aucun doute les nefs gothiques, un fidèle reflet de la tradition architecturale du nord d’Italie, ainsi que l’utilisation de la brique pour les façades. La pierre d’Angera a été également utilisée, dont sa couleur chaude était très appréciées par les artistes lombards.

Le plan de l’église se compose en trois larges nefs (nefs latérales, croisée d’ogives) séparées par une série de colonne en granit. Pour sa part, le couvent a été organisé autour de  trois cloîtres : le Cloître de l’infirmerie, où se trouvait le logement de Gaspard Vimercati ; le Grand Cloître, qui conduisait aux chambres individuelles des dominicains ; et le Cloître des Morts, qui permettait l’accès à l’église.

RÉAMÉNAGEMENT DE BRAMANTE

En 1492, Ludovic le More ordonna à l’architecte Donato Bramante, qui vivait à Milan depuis 1474, de réaménager l’église. Ludovic le More voulait un nouveau bâtiment qui servirait de tombeau pour lui et son épouse Béatrice d’Este. Ainsi, le 29 mars de cette même année la première pierre a été déposée dans la zone du presbytère.

D’une manière générale, le style architectural de Bramante se caractérise par son classicisme excessif, avec des lignes simples et géométriques, comme on peut le constater dans l’église de Santa Maria presso San Satiro. Son meilleur exemple est sans doute le Tempietto de San Pietro in Montorio.

Le grand espace construit par Bramante dans l’église Santa Maria delle Grazie est un grand cube avec quatre contreforts sur lesquels sont appuyés les arcs qui soutiennent la coupole, cette coupole a été placée sur la nef gothique que Guiniforte Solari avait construite auparavant.

De même, l’édification du presbytère a entraîné à la construction d’une nouvelle sacristie, d’un chœur et d’un cloître. C’est précisément dans le cloître où on apprécie particulièrement les éléments de l’art lombard du quattrocento que Donato Bramante à travers de sa conception de l’espace et des éléments décoratifs employés, comme par-exemples les colonnes en pierre surmontées de chapiteaux raffinés du style lombard.

DÉCORATION DU RÉFECTOIRE

Comme on l’a déjà vu dans le contexte précédent, Ludovic le More a confié à Léonard la décoration du réfectoire du couvent, lieu dans lequel les dominicains prenaient leur repas ensemble. La gloire obtenue par le florentin, ainsi que la particularité et le caractère exceptionnel de La Cène, ont pris une place importe dans la propre église, dont la renommée vient principalement de l’œuvre de Léonard.

De nos jours, la salle où se trouve la fresque de l’artiste de la Renaissance a été séparée de l’église et demeure sous la responsabilité de l’État. On y accède en passant par le parvis de l’église, à gauche de l’entrée principale.

RESTAURATION DE SANTA MARIA DELLE GRAZIE

À la fin du XIXème siècle, des grands travaux de renforcement ont été réalisés par les architectes Colla, Beltrami, Landriani et Moretti. Concernant notamment les colonnes du cloître, dont certaines ont été renforcés et les autres, les plus détériorées, ont été remplacées.

En 1935, des travaux dans l’église ont été également réalisés par les deux architectes Gino Chierici et Piero Portaluppi. Pendant la Seconde Guerre Mondiale une bombe a endommagé la zone du presbytère, par conséquent en 1945 a eu lieu la reconstruction de cette zone. Après les différentes interventions menées en 1975 et en 1978, au début des années 80, et jusqu’en 1984, a été réalisée la restauration extérieure de l’église.

La dernière intervention a été dirigée par Paola Villa, entre 2002 et 2004, touchant aussi bien sur le plan pictural qu’architectural. Au cours de cette intervention, la restauratrice a confirmé que la poussière et l’humidité, au fil du temps, sont la cause principale de la dégradation de la peinture. Ensuite les colonnes en pierre ont été également renforcées et protégées.

La Cène, chef-d’œuvre incontesté de Léonard De Vinci, peut être contemplé dans le réfectoire du couvent annexe à l’église de Santa Maria delle Grazie. La date exacte du début de sa réalisation est inconnue, car les archives du couvent ont été malheureusement détruites.

Mais grâces à deux documents nous connaissons le moment où Léonard a réalisé cette œuvre, ainsi que la date de son achèvement. Dans une lettre de Ludovic Sforza envoyée à Marchesino Stampa, datée du 19 juin 1497, indique que l’œuvre auquel l’artiste florentin a peint pour le mur septentrional du réfectoire avait déjà commencé. Conformément à cette lettre, il était prévu que Léonard devait continuer à peindre les autres murs de cette salle.

Il convient de dire que sur le mur méridional, en face de cette fameuse fresque, se trouve la Crucifixion, l’œuvre la plus célèbre de Donato Montorfano, réalisé en 1495.

Dans une autre lettre, datée du 8 février de 1498, Luca Pacioli annonce à Ludovic le More, que l’œuvre de Léonardo était déjà terminé, grâce à ce document nous connaissons donc l’année de l’achèvement de La Cène.

La technique picturale

Dans la salle de réunion de l’Ordre Dominicaine, Léonard intervient sur un thème souvent utilisé pour décorer les réfectoires de la Toscanes, même s’il le traite d’une manière différente. La tendance générale était de représenter l’instant présent de l’Eucharistie, tandis que Léonard s’appuie sur le moment où Jésus annonce la trahison de Judas. Malgré cela, le florentin s’adapte aux canons bibliques établis, s’agissant de l’emploi des couleurs comme le bleu, le rouge, le doré, le pourpre ou le vert pour renforcer la couleur de sa composition picturale.

La Cène est loin d’être une fresque au sens strict, car il a utilisé de la peinture à l’huile dans sa réalisation ; sans doute, il a voulu constitué une expérience artistique. L’artiste a dû enduire de plâtre le mur pour former une base afin d’appliquer les pigments à l’huile et une couche de peinture à la détrempe. L’humidité du mur et de la salle a endommagé en très peu de temps la peinture, en accentuant gravement sa dégradation. C’est pourquoi il y a eut de nombreuses restaurations, d’une manière plus ou moins réussie, qui ont tenté de consolider la composition.

Les problèmes de conservation

Cette dégradation a commencé lorsque Léonard était encore en vie, de sorte qu’il a pu voir les problèmes que représentait la technique employée. Les changements de température et l’humidité ont modifié considérablement les couleurs originales de l’œuvre, des couleurs qui se sont détachées de leur base pendant le XVIIIème siècle sont l’une des raisons pour laquelle La Cène a été restaurée et repeinte à plusieurs reprises. Telle était la gravité du dommage que Goethe lui-même la définissait comme un « cadavre ».

En 1726, elle a été restaurée par Michelangelo Bellotti, qui a retouché la peinture et a passé une couche de vernis sur l’ensemble de la surface. Près de cinquante ans plus tard, Giuseppe Mazza a raclé la peinture pour éliminer les soi-disant « retouches » de Bellotti qui ont perdu tout leur éclat. Ces deux projets de restaurations sont, à juste titre, durement critiqués par Goethe. Au même titre, pendant la première moitié du XIXème siècle, des travaux de restauration ont été réalisés par Stefano Barezzi et ensuite menés par Cavenaghi et Silvestri afin d’éviter absolument que la peinture se détache de la paroi. Mais durant la Seconde Guerre Mondiale, un bombardement aérien a détruit la coupole de l’Église de Santa Maria delle Grazie, et le réfectoire où se trouve l’œuvre de Léonard a été gravement endommagé.

Au même titre que l’église, suite à l’évènement désastreux en 1943, ceci a provoqué d’agir sérieusement sur la restauration de la peinture ; les travaux de restauration ont été dirigés en 1947 par M. Pelliccioli et la mise en œuvre d’une nouvelle technique a permis de consolider les pigments.

Dès 1979, et pendant plus de vingt ans, un projet de grande envergure a été mis en place en vue de lui rendre la couleur original de la composition. Les travaux de restauration, qui ont coûté 8.800.000 euros, ont été menés par la restauratrice milanaise Brambilla Barcilon.

L’objectif principal était d’éviter que sa dégradation s’accentuait davantage, en éliminant les ajouts précédents afin d’essayer de récupérer les pigments originaux employés principalement par Léonard De Vinci.

Au cours des travaux de restaurations, ils ont découvert des restes de craie rouge qui semblent correspondre aux traits que Léonard lui-même avait dessinés sur le plâtre. Cette intervention a permis également de découvrir que les lèvres de la figure de Jésus étaient légèrement ouverte, et non fermées, contrairement à ce que l’on pensait autrefois, et que Judas tenait dans sa main une bourse contenant sans doute les 30 pièces d’argent, symbole de sa trahison.

De plus, les couleurs originales ont pu être découvertes grâces au nettoyage et à la suppression complètes des repeints qui recouvraient toute la composition ; ils ont réussit également à mieux cerner les profils des personnages peintes par Léonard. Ils ont même découvert les restes des coups de pinceau, que l’artiste a utilisé pour éclaircir les quelques parties de la composition ou définir les cheveux bouclés de certains apôtres, comme ceux de Thomas.

Mais le plus surprenant a été la découverte du point central à partir duquel Léonard a appliqué les lois de la perspective, un point central mis en évidence dans un petit trou, situé juste à côté des yeux de Jésus, sur la tempe droite, qui correspondrait à un clou utilisé pour tracer les lignes de cette perspective : le point de fuite

L’œuvre de nos jours

Grâce aux travaux de restauration et à l’amélioration de l’église et du couvent, de nos jours nous pouvons visiter Santa Maria delle Grazie. Dans le réfectoire, où autrefois les dominicains prenaient leur repas ensemble, se trouve précisément le chef-d’œuvre de Léonard de Vinci : La Cène. On peut y accéder en passant par l’esplanade de l’église. Les traitements concernant la conservation du lieu ainsi que de l’œuvre sont placés sous la responsabilité de l’État.

Après cette dernière restauration, plusieurs mesures ont été prises pour préserver l’œuvre de Léonarde De Vinci. L’objectif principal est de maintenir la salle dans des conditions appropriées de température et d’humidité relative permettant la conservation des pigments. De plus, concernant les visites touristiques, seulement un maximum de 25 personnes est admis tous les 15 minutes, afin que la température de la salle soit toujours constante, et surtout des changements brusques qui sont susceptibles de modifier les couleurs originales.

La Cène n’est pas seulement une œuvre d’art religieuse, mais aussi une icône culturelle. Elle a été référencée dans d’innombrables œuvres littéraires, films et études académiques, chacun apportant de nouvelles interprétations et maintenant vivante la fascination pour cette création extraordinaire de Léonard de Vinci.

Ces curiosités et théories sur La Cène continuent d’attirer des milliers de visiteurs et de chercheurs, maintenant le héritage de Léonard en tant que l’un des génies les plus intrigants de l’histoire de l’art.

Le roman Da Vinci Code, écrit par Dan Brown en 2003, énonce son histoire sur une base de culte théologique, dans lequel l’écrivain, à travers de l’un de ses personnages principaux, Robert Langdon, remet en question la véracité des documents et des dogmes officiels de l’Église, des écrits dont l’information et l’interprétation, comme indiqué tout au long de l’ouvrage, sont toujours subjectives.

L’une de ses interprétations concerne particulièrement la présence de Jean et son identification possible avec Marie-Madeleine. Ce n’est pas seulement dans les esquisses où il se trouvait principalement assis près de Jésus, même si Léonard finira par peintre les deux figures séparément. Mais il s’agit plutôt du fait que tous les personnages représentés par l’artiste dans la Cène, Jean est le seul qui possède des traits féminins.

Ceci a eu un effet de s’interroger sur la possibilité que la figure, située juste à côté de Jésus, soit Marie-Madeleine et non Jean. C’est peut-être pour cette raison que ses traits sont particulièrement féminins, et que le florentin avait initialement envisagé de les dessiner côte-à-côte.

L’une des controverses les plus notables concernant La Cène est la figure de Jean l’Évangéliste, situé à la droite de Jésus.

Mise à part que Jean soit représenté sous les traits d’une femme, cette figure comme celle de Jésus lui-même portent les mêmes couleurs de façon inversées, avec une nuance de rouge interprétant comme un symbole de grandeur et de royauté. En outre, la posture dans laquelle apparaissent les deux personnages, mais aussi la forme qui se devine entre eux, a donné naissance à cette hypothèse.

De toute évidence, pour les membres de l’Église, la divinisation de Jésus et la possibilité qu’il se soit marié avec Marie-Madeleine et qu’il aurait eu une descendance sont absolument incompatible, en refusant catégoriquement la deuxième possibilité.

Marie-Madeleine et le Saint Graal

Dans le roman de Dan Brown, la relation que Marie-Madeleine aurait avec le Saint Graal, ne concerne pas le calice dans lequel Jésus a bu lors du dernier repas, mais plutôt la lignée royal, le sang du Christ. Marie-Madeleine est présentée comme l’épouse de Jésus et la mère de sa fille Sarah, qui engendra la dynastie des Mérovingiens. Au fil des siècles, cette lignée royale aurait été menacée, car la dynastie mérovingienne commença à vivre soi-disant dans la clandestinité, afin de cacher l’existence de leur « sainte lignée », qui a été protégée par le Prieuré de Sion.

Les textes catholiques nous racontent qu’elle était, avec d’autres femmes, l’une des personnes chargées à annoncer la résurrection de Jésus aux apôtres. Mais dans le livre, il est clairement mentionné la relation reflétée dans l’Évangile selon Marie, ce qui donne une certaine véracité :

« Ma sœur, nous savons que l’Enseigneur t’a aimée différemment des autres femmes. Dis-nous les paroles qu’Il ta dites, dont tu te souviens et dont nous n’avons pas la connaissance. » (EvMar 8).

Dans les autres textes, comme l’Évangile selon Philippe, il est mentionné que Jésus embrassait souvent Marie sur la bouche, et de mettre en évidence que c’était la femme qu’il aimait le plus.

Tout au long du roman ces mots sont interprétés comme éléments de preuve de la relation charnelle qui existait entre Marie-Madeleine et Jésus, le fruit dans lequel est née leur fille, dont le dernier descendant est l’autre personnage du livre, Sophie. Face à cette situation, l’Église a mis en évidence l’interprétation du baiser comme la transmission des connaissances.

« Le Code Da Vinci », écrit par Dan Brown, a alimenté d’innombrables théories sur La Cène. Dans le livre, il est suggéré que la figure à la droite de Jésus est Marie-Madeleine et non Jean, et qu’ensemble ils forment un « V » symbolisant un calice, suggérant que Marie-Madeleine était l’épouse de Jésus.

La vérité, c’est que le livre se fait écho de ce qui a communément accepté la tradition à l’égard de Marie-Madeleine. En prenant comme référence la représentation de la figure de Jean dans La Cène, et le lien de Léonard De Vinci avec les différentes sectes, comme l’Ordre des Illuminati. Dan Brown met en évidence que l’artiste avait représentée, en réalité, la femme de Jésus, et non Jean. Afin de dissimuler son audace, il la revêtit de la même manière que le disciple.

En quête de certitudes

Nous ne savons pas exactement si la figura représente Jean ou, en revanche, Léonard a voulu représenter précisément Marie-Madeleine. Nous ne savons pas non plus avec certitude, si cette figure initie la lignée royale qui est particulièrement mentionnée dans le roman. Bien entendu, tout aussi interprétable et nuançable sont les textes sacrés.  Il est vrai que le roman a servi de révéler les anciennes théories qui contredisaient la doctrine traditionnelle du Vatican, en amenant certains à reconsidérer la véracité des deux hypothèses.

L’atmosphère mystérieuse qui entoure les œuvres de cet artiste atteint son paroxysme concernant l’œuvre du réfectoire du couvent dominicain de Santa Maria delle Grazie à Milan. C’est pour cela que les théories présentées dans le livre de Dan Brown ont obtenue autant de succès.

En 2007, le musicien italien Giovanni Maria Pala a suggéré que les positions des mains et des pains sur la table pourraient représenter des notes de musique. Si elles sont lues de droite à gauche, comme dans l’écriture hébraïque, elles pourraient former une brève composition musicale.

Nous savons que La Cène représente le moment où Jésus annonce aux apôtres la trahison de Judas. Comme nous l’avons déjà mentionné précédemment à propos du style de Léonard, il faisait en sorte que ses peintures reflétaient le drame naturel des personnages.

Pour cela, l’artiste jouait particulièrement avec les formes, les gestes, les regards, et etc. … La Cène reprend le mouvement d’étonnement et d’horreur des apôtres : les uns se lèvent et les autres se rapprochent de Jésus. Sans aucun doute, il souligne l’attitude de Judas, qui s’écarte légèrement après s’être senti découvert, comme l’indique précisément le Professeur Pietro C. Marani.

Ce chercheur raconte que cette œuvre est utilisée par Léonard afin de mettre en pratique sa « théorie des mécanismes du changement », dans laquelle le peintre interprète l’instant où les paroles de Jésus enflamment la réaction des apôtres.

Les esquisses

En ce qui concerne les gestes et les expressions, Léonard aurait pu s’en être inspiré de ses contemporains, ce qui a donné lieu à de nombreuses théories sur les personnages qui sont représenté près de Jésus. En nous concentrant sur les données réelles dont nous disposons, à travers de l’un des Codex Forster, conservés au Victoria and Albert Museum à Londres, nous avons pu découvrir un peu plus sur la composition grâce à son auteur : Léonard lui-même. Concrètement, le Codex Forster II, datant de 1495 à 1497, reprend les éléments suivants en ce qui concerne la représentation des personnages :

« L’un qui buvait, reposa sa coupe en tournant la tête vers celui qui avait parlé. Un autre croisa les mains et se tourna vers son compagnon, le regardant fixement ; l’autre, avec les mains ouvertes, montrant les paumes, remonte les épaules vers les oreilles et sur sa bouche faisant un geste d’étonnement. Un autre parle à l’oreille de son voisin et celui-ci qui l’écoute, se tourne vers lui et lui tend l’oreille en tenant un couteau à la main et dans l’autre le pain. L’autre en se tournant, avec un couteau à la main, renverse une coupe sur la table. L’autre pose les mains sur la table et regarde ; l’autre a le souffle coupé, l’autre se tourne pour voir de quoi il parle entre le mur et celui qui est penché» (Ottino, 1977, p. 97).

Mais nous en savons un peu plus sur l’exécution des personnages qui sont représentés dans la composition. Les dessins préparatoires qui sont conservés à la Bibliothèque Royale du château Windsor, réalisés à la sanguine, permettent de connaître les dessins précédents de quelques apôtres, comme Philippe, Judas ou Jacques le Majeur. Le croquis de la Galerie Dell’Accademia de Venise est également un élément important, car il représente particulièrement les apôtres tous regroupés, comme sur le mur du réfectoire, bien que la place de Judas n’est pas celle qui apparaît finalement dans l’œuvre définitif.

Un autre dessin, également de la collection Windsor, nous montre Judas de dos et éloigné du reste des apôtres, bien que finalement Léonard a décidé de peintre ce personnage en formant un groupe auprès de Jean et Pierre.

Et il en va de même pour Jean ; les esquisses montrent son corps incliné vers Jésus, et quelques unes d’entres elles, avec le bras de celui-ci posé autour des épaules de l’apôtre. Dans l’œuvre définitif il est représenté « en écoutant » Pierre. Probablement, afin d’éviter que ce geste soit interprété comme homosexuel, Léonard a sans doute décidé de les peindre séparément.

Mais le dessin qui attire le plus l’attention est celui dans lequel se trouvent Jésus et Judas au moment où le premier personnage annonce la trahison. Il montre Judas approchant sa main du plat qui se trouve sur la table, vers le plat auquel Jésus dirige en même temps la sienne, faisant allusion au passage mentionné dans l’évangile selon Matthieu 26, 23, reprenant la phrase suivant : « Celui qui a mis la main dans le plat avec moi, celui-là me trahira ».

Comme nous pouvons le voir, il existe de nombreuses interprétations qui peuvent être faites au sujet de qui sont réellement les personnages représentés dans l’œuvre la plus importante de l’artiste florentin ; heureusement, les données dont nous disposons, apportent un fondement solide à l’argumentation défendue par les historiens de l’art, des informations qui sont conservées dans les musées et les collections privés, ne laissent planer aucun doute à ce propos.

Les mystères de la Dernière Cène

La Dernière Cène est peut-être l’un des passages les plus importants de la Bible. C’est lors de ce moment qu’est réalisé le sacrement culminant du christianisme, l’eucharistie. Elle symbolise la remise du corps de Jésus-Christ à ses fidèles à travers une cérémonie qui évoque leur dernière réunion. Cette symbologie mystique a attiré et inspiré des artistes de toutes les époques. Comme Léonard de Vinci, ils ont voulu capter la magie de ce moment à travers des images métaphoriques.

Celles-ci vont bien au-delà de la simple représentation. Elles cherchent à creuser ce sens caché, presque ésotérique, qui a suscité la curiosité et éveillé l’imagination d’écrivains, de spécialistes et d’érudits.

– L’œuvre de Léonard de Vinci ne décrit pas que le sacrement sacré à travers des images. Elle reporte aussi un moment de tension entre les disciples et leur maître, au cours duquel ce dernier annonce la trahison imminente de l’unique fidèle qui reste dans l’ombre dans le tableau, Judas.

– Une hypothèse alternative évoque la possibilité que cette dernière réunion de Jésus avec ses disciples mette en scène un double message caché entre les deux protagonistes centraux de l’œuvre, avec leur position stratégique en forme de « V » (verre) et l’absence de calice sur la table. Selon de nombreuses études, Léonard aurait subtilement dissimulé ces indices pour révéler au public une partie des Textes Agnostiques de l’Évangile de Philippe. Dans ces derniers, il est dit que Marie Madeleine a été la compagne sentimentale de Jésus et la mère de son enfant. La Dernière Cène aurait été sa présentation publique.

Pendant la seconde moitié du quattrocento (XVème siècle – la Première Renaissance), la ville de Milan a subi une grande transformation grâce à l’impulsion des Sforza. De nouvelles églises se sont levées entre les canaux de navigation (Navigli) qui composent principalement son urbanisme, et qui ont été décorées avec des fresques fidèles aux préceptes de la Renaissance. Les deux exemples les plus caractéristiques de ce changement on les retrouve particulièrement dans les églises de San Pietro in Gessate et Santa Maria delle Grazie.

Visitez Milan

Plusieurs façons de connaître la Cène de Léonard. Entrée rapide à la Cène:

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Dans cette rubrique, nous allons vous offrir un aperçu intéressant de la ville à cette époque-là et du contexte historique et social dans lequel Léonard De Vinci a réalisé cette création, la Cène.

La famille Sforza et la ville de Milan

Cette famille a été fondée par Muzio Attendolo, surnommé sforza (force) par le condottiere Alberico da Barbiano, un surnom qui fut conservé et qui devint le nom de sa lignée. La dynastie est liée entre autres à la notoriété ayant acquis son petit-fils, Ludovic le More après le célèbre tableau de Léonard De Vinci.

Les condottieres des Sforza étaient au service de Milan depuis le milieu du XVème siècle, Francesco I Sforza, le père de Ludovic Maria Sforza, commandait les troupes de Milan depuis 1431. Le 24 octobre 1441, il épousa Bianca Maria Visconti, la fille illégitime de Filippo Maria, duc de Milan. Le duc meurt en 1447, malgré les nombreux prétendants, Francesco devient à son tour le titre de Duc de Milan en 1450. Sous son règne, il atteint un rôle principal au-delà de ses frontières.

Après la mort de Francesco I Sforza, son fils aîné le succède, Galeazzo Maria Sforza, qui fut un mécène et un grand protecteur dans le domaine de la musique. Mais le duché traversait de sérieux problèmes, tant au niveau politique que social, qui ont conduit à son assassinat le 26 décembre de 1476. Le titre est repris par Gian Galeazzo Sforza, âgé seulement de sept ans. Son oncle Ludovic n’a pas accepté la régence de Bonne de Savoie, mère de Gian Galeazzo, donc durant toutes ces années, le gouvernement a vécu une période d’affrontements et de luttes pour le pouvoir, jusqu’à ce qu’il obtienne le gouvernement du duché en 1494.

Après la mort de Gian Galeazzo, le titre du Duc de Milan est conféré à Ludovic, le deuxième fils de Francesco I Sforza. Le surnom « le More » vient du fait qu’il avait un teint basané et des cheveux foncés. Au cours de son mandat la vie culturelle, sociale et politique de la ville acquièrent un important pouvoir.

L’accession au trône en France de Louis XII, succédant à Charles VII, bouleverse la politique extérieure du duché. Louis XII entreprend alors la récupération du duché de Milan, avec le soutien de la Sérénissime République de Venise et du Pape Alexandre VI, et il attaqua à Ludovic qui est capturé par les français à Novare le 10 avril 1500. L’arrivée des français implique la perte de l’indépendance pour Milan, qui sera sous la domination étrangère pendant plus de 350 ans. Ludovic est conduit en France et ensuite emprisonné dans le château de Loches, où il meurt en prison en 1508.

Le contexte de l’œuvre

Vers le milieu du XVème siècle, les ordres monastiques vivaient dans une période de crise spirituelle, qui a abouti dans une profonde rénovation religieuse et conceptuelle. L’une des rares communautés religieuses qui ont échappé à ce moment de régénération, fut l’Ordre des Frères Prêcheurs, ayant réussi à fonder de nouveaux couvents, comme celui de Santa Maria delle Grazie, où se trouve précisément dans le réfectoire La Cène de Léonard De Vinci.

L’idée de fonder un couvent à Milan date de 1459, lorsqu’une congrégation dominicaine a demandé au vicaire de Saint Apollinaire qu’un espace soit construit dans le duché pour les frères de l’ordre, afin d’y prêcher et évangéliser la population.

Un an plus tard, le commandant en chef des Sforza, Gaspard Vimercati, fait don à l’ordre dominicaine de quelques terres comprenant une chapelle sous le vocable de Santa Maria delle Grazie. Le 10 septembre 1463, l’archevêque Nardini pose la première pierre du convent. Seulement deux ans après, l’invocation de cette chapelle détermine que le couvent est consacré à l’emblème de Sainte Marie des Grâce.

À la même époque, l’ordre dominicain demanda à l’architecte Guiniforte Solari de construire une église pour leur couvent, dans lequel ce projet a reçu la protection y le soutien des Sforza et des Visconti en raison de la proximité du château de Ludovic le More.

Ensuite quelques années après, Ludovic Sforza ordonna à Donato Bramante de transformer l’église et d’installer un mausolée pour lui et son épouse Béatrice d’Este. C’est précisément dans ce contexte de rénovation où Léonardo De Vinci, à la demande de Ludovic, a décoré le réfectoire du couvant avec le thème de la Cène.

Attractions liées aux Sforza

À l’époque de la Renaissance, les Sforza, comme de nombreuses autres familles nobles et européennes, se sont appuyés sur l’art et les artistes pour montrer toute la richesse de leur cour. Léonard de Vinci est ainsi devenu un mécène de génie et a créé l’un des plus célèbres monuments de la famille Sforza :

– Le Cheval des Sforza est une statue équestre qui se trouve sur la place précédant l’hippodrome de Milan. On la connaît aussi sous le nom de Cheval de Léonard. Comme nous l’avons dit, elle a été créée pour Francesco Sforza par le grand maître Léonard de Vinci. Il voulait réaliser la plus grande statue équestre qui ait jamais été faite mais n’a malheureusement pas pu la terminer. La statue de bronze actuelle au milieu de la place est l’œuvre de Nina Akamu. Les croquis du projet initial de Léonard de Vinci sont conservés au Château Windsor.

– Le Château des Sforza est une forteresse construite au XVème siècle sous les ordres du duc de Milan, Francesco Sforza. Elle a été bâtie sur les restes d’une ancienne fortification datant de l’époque romaine. De cette première reconstruction de la Renaissance, il ne reste plus que la « Ghirlanda », une structure quadrangulaire couronnée de quatre tours marquant les quatre points cardinaux. C’est cependant la tour centrale, Filarete, qui attire tous les regards en raison de sa hauteur et de sa beauté. On la doit à l’architecte Luca Beltrani.

L’extérieur et l’intérieur du Château des Sforza sont ouverts au public. Il abrite l’un des musées les plus importants de la ville, qui contient des œuvres comme La Pietà Rondanini de Michel-Ange.

Le couvent de Sainte-Marie delle Grazie n’héberge pas uniquement l’œuvre de Léonard de Vinci. On peut également y contempler l’une des meilleures œuvres du milanais Giovanni Donato da Montorfano, juste en face de la mythique Cène. Cette œuvre est la « sœur pauvre », car sa présence est assombrie par la célébrité de la fresque de Léonard de Vinci.

Une œuvre un peu ignorée en raison de sa proximité avec La Cène de Léonard, mais qui mérite quelques minutes de votre attention, est une belle œuvre religieuse.

Pourtant, le visiteur du Cénacle devrait consacrer quelques minutes à apprécier cette superbe interprétation du la crucifixion du Christ, pleine de nuances et de personnages bibliques associés à un des moments culminants du Calvaire.

Au sujet de l’oeuvre

La Crocifissione date de 1945 et se trouve sous les voûtes de la paroi sud du réfectoire du couvent dominicain, juste en face de La Cène.

Lors des brèves visites que les visiteurs peuvent réaliser dans cette salle, ils ont tendance à tourner immédiatement à droite après la porte d’accès, émus par le Cenacolo Vinciano et n’observent que cette fresque jusqu’au moment de quitter les lieux. Il est pourtant recommandé de lui consacrer quelques minutes, car ce peintre est le plus remarquable de sa famille d’artistes de la Renaissance, et la Crucifixion est son chef d’oeuvre. Il était lui-même très fier de son travail qu’il signa, comme l’on peut observer dans la partie inférieure du tableau, sous les pieds de Marie Madeleine.

La scène

La scène représente le Calvaire de Jésus de Nazareth, figure centrale et située à un niveau supérieur, il est entouré de quatre anges. À ses cotés se trouvent Dimas et Gestas, plus connus comme le Bon et le Mauvais Larron. Ces derniers, contrairement à Jésus, apparaissent attachés à la croix avec des cordes, et non crucifiés. Il sont faciles à identifier car, en général, le Bon Larron est toujours placé à la droite du Christ, le regardant en face et avec une expression du visage tranquille ; en revanche, le Mauvais Larron se trouve à sa gauche, regardant vers le sol, et avec une expression de souffrance. De plus, au dessus du premier se trouve un ange qui attend sa mort pour emporter son âme au cieux, puisqu’il s’est repenti de ses péchés et a été pardonné, alors qu’au dessus de l’autre se trouve un démon à la peau foncée qui l’emportera en enfer.

Aux pieds de Jésus se détache la figure désolée de Marie Madeleine. Elle se trouve à la hauteur des yeux du visiteur, pleurant horrifiée et accrochée à la croix en bois. Elle est traditionnellement représentée avec des cheveux longs et lâchés (contrairement aux autres femmes de la scène dont les cheveux sont couverts), un manteau rouge et une tête de mort, symbole d’humilité et de pénitence.

À droite de Jésus se trouve la Vierge Marie avec un manteau bleu, accompagnée d’un groupe de femmes. Il s’agit des Saintes Maries ou des Trois Maries, habituellement représentées de façon secondaire dans l’iconologie chrétienne et dont les identités exactes sont très discutées. À sa gauche, une silhouette solitaire nous regarde avec tristesse, il pourrait s’agir de l’Apôtre Saint Jean. Ses habits, verts et rouges, correspondent aux couleurs avec lesquelles il est généralement représenté, et c’est lui qui accompagne la Vierge Marie ainsi que Marie Madeleine aux pieds du Calvaire.

Les personnages forment de petits groupes pratiquement symétriques, à part Saint Jean, Marie Madeleine et deux moines dominicains qui prient à genoux face à la croix. À chaque extrémité apparaissent des saints et des saintes appartenant à l’ordre dominicain, et leur position dans la fresque est importante. Au deuxième plan, une foule de soldats et hommes à cheval, peints avec beaucoup de détails, les entourent sur un fond où l’on aperçoit la ville. Leurs couleurs intenses sont surprenantes.

Peintre, sculpteur, architecte, musicien, écrivain, mathématicien et inventeur. Giorgio Vasari, dans son recueil biographique Les vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes, a écrit dans le chapitre de Léonard de Vinci, que souvent la Providence répand naturellement sur les hommes de très grands bien faits, parfois, aussi, et sans mesure, elle rassemble tellement en un seul, beauté, grâce, vertu, que chaque action de celui-ci était considéré comme un signe divin,… C’est ainsi, raconte Vasari, que tout le monde reconnut en Léonard.

Son intelligence, son physique extraordinaire, sa capacité grandiose comme artiste et sa passion pour les chevaux sont quelques unes des qualités que le théoricien de l’art italien ressortait de cette artiste divin.

Biographie de Léonard De Vinci

Kenneth Clark, qui était le directeur du musée National Gallery mais aussi l’un des meilleurs historiens de l’art, disait que «la figure de Léonard était déjà une légende depuis sa jeunesse». Grâce à Vasari, nous connaissons quelques aspects de la biographie de cet artiste, le plus charismatique de la Renaissance.

Fils de Ser Piero et de Caterina, De Vinci est né à Anchiano, un petit village de Toscane proche de Vinci, en 1452. En 1469, il s’en va avec son père à Florence et, trois ans plus tard, il entre dans la guilde de Saint-Luc en tant que peintre, sous les directives d’Andrea Verrocchio, qui est devenu son maître pendant six ou sept ans.

L’une des premières références artistiques de Léonard est sa collaboration avec Verrocchio dans une peinture nommée Le Baptême du Christ. L’ange, une figure peint par Léonard, reflète déjà cette impétuosité de son style si caractéristique. Par ailleurs, Kenneth Clark affirme que cet artiste a peint également le paysage.

Peu de temps après, Léonard De Vinci a peint L’Annonciation, qui se trouve actuellement dans la Galerie des Offices (Galleria degli Uffizi). Ensuite vers 1474, le portrait de Ginevra de’ Benci, exposé dans le musée National Gallery of Art de Washington, une œuvre dans laquelle se devinent les jeux d’ombres de lumières si caractéristique de Léonard. En 1476, il peint La Vierge à l’œillet, exposée dans le musée Alte Pinakothek à Munich, montrant des éléments qui deviendront une constante dans la peinture du florentin : cheveux bouclés, vêtements, fleurs, couleurs… Et cette main gauche typique de ses tableaux. Son chef-d’œuvre durant cette première période est, sans aucun doute, La Vierge aux Rochers, peinte à la demande de la Confrérie de l’Immaculée Conception, de nos jours ce tableau est conservé dans le musée National Gallery. Cette iconographie révèle cet équilibre entre la beauté idéale et naturelle qu’on admire particulièrement dans ses tableaux.

Finalement, nous devons également attribuer sa première étape florentine, le tableau La Vierge à l’Enfant, la Madone Benois, qui se trouve dans le Musée de l’Ermitage.

Les chercheurs pensent que vers 1482 Léonard De Vinci est parti à Milan, d’après les informations fournies par Anonimo Gaddiano et ensuite confirmées par la date de la première commande de Léonard à Milan. Au cours de cette étape, on assiste au style naturaliste de l’artiste, comme on peut le voir dans les différentes oeuvres de cette période. L’une des plus belles preuves est La Dame à l’hermine, exposée aujourd’hui au Musée Czartoryski de Cracovie, qui représente sans doute à Cecilia Gallerani, la maîtresse de Ludovic Sforza.

Depuis l’abandon des portraits de profil, l’artiste accorde une importance toute particulière au dynamisme de ses représentations. Mais probablement le plus frappant est le naturalisme excessif dans la représentation des traits du visage de Cecilia et de l’interprétation de l’hermine, permettant d’établir l’évolution de ses connaissances scientifiques à cette époque. L’utilisation de la lumière concentrée pour faire ressortir la figure sera un autre élément déterminant au cours de ces années. Et il en va de même dans son Portrait de musicien, exposé à la Pinacothèque Ambrosienne.

À Milan, Léonard commence également à écrire le premier de ses carnets de notes, dans lequel il inscrit toutes ses découvertes artistiques et scientifiques. Au fil de ces années se trouvent également L’Annonciation du Louvre, la toile représentant Saint Jérôme, conservée à la Pinacothèque du Vatican, et l’Adoration des mages, exposée dans la Galerie des Offices. Bien que ce dernier tableau soit inachevé, on y retrouve la complexité particulière de ses œuvres, où les gestes et les regards des personnages jouent un rôle fondamental. Le meilleur exemple à mettre en évidence est bien sûr La Cène.

Le plus remarquable de l’Adoration des mages est le point central de la composition, qui est défini par un triangle encerclé par un arc.

Dès 1485, il travaille essentiellement pour Ludovic Sforza, qui deviendra très vite son protecteur. En outre, Léonard assurait également la direction des bals costumés et des spectacles publics, mais aussi l’étude des projets d’ingénierie et d’architecture. Les deux œuvres les plus remarquables de cette période sont, sans aucun doute, La Cène et le Cheval, qui a été détruit après la conquête de Milan par les français.

Avant de quitter Milan, Léonard devait s’occuper de la décoration du château des Sforza, où se trouve particulièrement dans la Sala delle Asse une partie de son œuvre.

Le 5 octobre 1499, les français entrent dans la ville de Milan et capturent Ludovic Sforza. Léonard décide alors de quitter Milan et d’aller à Mantoue, où il a réalisé l’esquisse du portrait d’Isabelle d’Este, qui est conservée dans le musée du Louvre. Ensuite de Mantoue il part à Venise, où l’influence de Léonard se reconnaît facilement dans les productions picturales réalisées par le jeune peintre Giorgione.

En avril 1500, il est de retour à Florence, où il retrouve une ville différente de celle qu’il a laissé vingt ans en arrière. À partir de là, il entre au service de César Borgia, comme « architecte et ingénieur général ». Au cours de ces années, il peint La Vierge, l’Enfant Jésus et Sainte Anne, exposée au Louvre, et une esquisse représentant un dessin sur la même thématique, The Burlington House Cartoon, qui est actuellement conservé à la National Gallery. Mais son œuvre la plus célèbre depuis cette époque a été sans aucun doute la Mona Lisa, également connu sous le nom de La Joconde. Le portrait de Lisa Gherardini, épouse de Francesco Del Giocondo, rassemble d’une manière extraordinaire la complexité qui avait déjà atteint le style de Léonard.

Bien que la Mona Lisa joue un rôle éminent, la demande la plus importante de sa deuxième étape florentine a été la Bataille d’Anghiari, une œuvre dont plusieurs dessins préparatoires ont été conservés. Il a également peint le tableau Léda et le Cygne, qui a été livré en France et ensuite perdu de vue (probablement il a été détruit par Maintenon). En mai 1504, il est convoqué par le gouverneur de Milan, Charles d´Amboise. Certaines hypothèses suggèrent que c’était sans doute pour terminer La Vierge aux Rochers, qui se trouve actuellement dans le musée National Gallery.

Les problèmes avec ses frères l’ont obligé à retourner à Florence au cours de l’automne 1507, jusqu’à ce qu’il décide de revenir à Milan l’année suivant. De là il a vécu jusqu’en 1513, travaillant pour Charles d´Amboise, en essayant de reproduire le prestige artistique qui avait eu dans la ville de Milan, sous le mandat de Ludovic le More. En 1511 meurt le gouverneur de Milan, mais le florentin reste là jusqu’à ce qu’en septembre 1513, Julien de Médicis, lui demande de venir à Rome où il se consacre à des études d’ingénierie.

Dans ce contexte, il réalise son dernier tableau, Saint Jean-Baptiste, conservé actuellement au Musée du Louvre. La mort de Julien de Médicis lui permet d’accepter l’invitation du roi de France, François Ier, pour être nommé « premier peintre, premier ingénieur et premier architecte du roi ». À partir de là il ne voyagera plus. Dans le manoir du Cloux près d’Amboise (le château du Clos Lucé), le 2 mai 1519, meurt le génie, en laissant à son disciple, Francesco Melzi, l’héritage de tous ses dessins et écrits.

Le style de son art pictural

Léonard considérait l’art comme une recherche scientifique de la nature, comme un instrument de connaissance. Pour lui, imiter la nature à travers de la peinture représentait un processus cognitifs qui s’achevait avec l’accomplissement de ses connaissances dans l’œuvre d’art. L’ensemble des dessins qui ont subsisté jusqu’à nos jours nous aide à comprendre la personnalité effervescente de Léonard.

Et tout ceci est corroboré par ses cahiers de notes et avec ses œuvres, constituent le meilleur moyen d’approfondir la personnalité et le style artistique du florentin. Ces documents sont conservés dans plusieurs collections, comme par-exemple la collection de Trivulzio, celle du comte de Leicester, mais aussi dans la Bibliothèque de l’Institut de France, le château de Windsor ou la Bibliothèque Ambrosienne (Codex Atlanticus).

Mais, il s’agit sans aucun doute le résultat essentiel de la consultation du Traité de la Peinture (Trattato della Pittura) , conservé dans la Bibliothèque Apostolique Vaticane ; écrit entre 1482 et 1518, composé de huit livres et 935 chapitres recueillant la pensée de Léonard sur la nature, l’art et la science mais aussi entre autres des conseils concernant la technique de la peinture.

Dans son Traité, Léonard de Vinci nous explique que la peinture est pour lui l’accomplissement suprême de l’activité spirituelle, «l’unique moyen de reproduire toutes les œuvres connues de la nature», par conséquent, «le caractère divin de la peinture fait que l’esprit du peintre se transforme en une image de l’esprit de Dieu, car il s’adonne avec libre puissance à la création d’espèces diverses.», le peintre doit «l’interprète entre la nature et l’art» (Traité, 1, 40).

Léonard a été le premier qui a défini le concept de la perspective chromatique. Précisément, au moyen de l’utilisation des couleurs, l’artiste parvient à refléter la profondeur et les éléments qui composent principalement une œuvre. Mais le génie du florentin ne se tient pas au fait à faire usage seulement de la couleur pour donner de la perspective à ses compositions, mais que cette perspective se conjuguent avec une perspective géométrique c’est-à-dire linéaire et atmosphérique. Ceci permet de crée de la profondeur dans ses tableaux en utilisant des figures de différentes tailles qui vont changer de forme par l’effet de la distance, du proche au lointain. C’est la disparition du contour imprécis de la figure, le sfumato.

Léonard ne considérait pas l’art comme une imitation ; par conséquent il faisait toujours en sorte de découvrir des formes nouvelles afin de saisir la réalité. Léonard de Vinci a nourri une véritable passion pour l’anatomie. Comme le souligne Kenneth Clark, «si l’homme était la mesure de toutes les choses, l’homme physiquement parfait devrait être logiquement la mesure de la beauté». À travers de ses œuvres nous pouvons voir la progression de ses études, ainsi que la perfection qui atteint la représentation anatomique, si raffinée et minutieuse, qui est devenue une partie intégrante du style de l’artiste.

Léonard était également obnubilé par l’expression dramatique des compositions, soucieux par la représentation des gestes corrects capables de refléter fidèlement la réalité. La preuve la plus tangible concernant cette pratique est sans aucun La Cène, où les figures subissent une ambiance dramatique fascinante.

En ce qui concerne la couleur, l’artiste n’a jamais employés les couleurs du Quattrocento, les tonalités brillantes si caractéristiques, mais depuis ses premières œuvres, on observe l’usage de ses fameux clairs-obscurs, qui évolueront dans sa peinture. Ses tableaux sont entourés d’une aura crépusculaire, dont les figures se révèlent illuminées par l’utilisation des lumières diffuses qui leur donnent un relief et un rôle plus important.

Les jeux d’ombres et de lumières élaborent ses compositions. Ses dessins et diagrammes avec effets de lumières sur cylindres et sphères, en créant des reflets, révèlent son obsession pour représenter correctement les ombres et les lumières.

En fin de compte, le style de Léonard est si caractéristique et unique que, malgré les reproductions exceptionnels qui ont été réalisées de bon nombre de ses tableaux, personne n’a réussit à atteindre la grandeur des modèles du florentin.

Théories curieuses sur Léonard de Vinci

C’est peut-être sa personnalité polyédrique qui a poussé Léonard de Vinci à devenir l’un des personnages historiques qui a suscité le plus de curiosité dans l’opinion publique. Voici quelques idées curieuses sur ce personnage.

– L’écriture cryptique. Il s’agit de l’une des habilités de ce grand génie qui a le plus fasciné et inspiré les spécialistes, même si c’était en réalité quelque chose qu’il pratiquait comme un passe-temps, tout comme les anagrammes, les rébus, les énigmes… Il créait des phrases à travers des codes ou des messages qui n’avaient pas d’autre but que de distraire, en dépit de ce que beaucoup d’hypothèses ont avancé.

– Croyance agnostique. On a également beaucoup spéculé à propos de son appartenance à certaines sociétés comme la franc-maçonnerie. Cela était certainement dû à sa croyance agnostique très avancée pour son époque.

– Homosexualité. Il s’agit d’un aspect de la vie privée de l’artiste qui se base sur une plainte anonyme déposée pour un délit de sodomie qui aurait eu lieu en 1476 et s’est soldé par une simple réprimande. On pense que cette plainte n’était qu’un moyen de nuire à l’artiste. Cependant, cette théorie subsiste en raison de la découverte de dessins érotiques d’hommes ithyphalliques dans ses affaires personnelles.

– Facette d’inventeur. C’est une preuve supplémentaire de son immense génie. Une grande quantité de machines sont aujourd’hui exposées au Museo Nazionale della Scenza e della tecnologia di Leonardo da Vinci à Milan.