La Cène, Léonard de Vinci: signification, interprétation

Nous savons que La Cène représente le moment où Jésus annonce aux apôtres la trahison de Judas. Comme nous l’avons déjà mentionné précédemment à propos du style de Léonard, il faisait en sorte que ses peintures reflétaient le drame naturel des personnages.

Pour cela, l’artiste jouait particulièrement avec les formes, les gestes, les regards, et etc. … La Cène reprend le mouvement d’étonnement et d’horreur des apôtres : les uns se lèvent et les autres se rapprochent de Jésus. Sans aucun doute, il souligne l’attitude de Judas, qui s’écarte légèrement après s’être senti découvert, comme l’indique précisément le Professeur Pietro C. Marani.

Ce chercheur raconte que cette œuvre est utilisée par Léonard afin de mettre en pratique sa « théorie des mécanismes du changement », dans laquelle le peintre interprète l’instant où les paroles de Jésus enflamment la réaction des apôtres.

Les esquisses

En ce qui concerne les gestes et les expressions, Léonard aurait pu s’en être inspiré de ses contemporains, ce qui a donné lieu à de nombreuses théories sur les personnages qui sont représenté près de Jésus. En nous concentrant sur les données réelles dont nous disposons, à travers de l’un des Codex Forster, conservés au Victoria and Albert Museum à Londres, nous avons pu découvrir un peu plus sur la composition grâce à son auteur : Léonard lui-même. Concrètement, le Codex Forster II, datant de 1495 à 1497, reprend les éléments suivants en ce qui concerne la représentation des personnages :

« L’un qui buvait, reposa sa coupe en tournant la tête vers celui qui avait parlé. Un autre croisa les mains et se tourna vers son compagnon, le regardant fixement ; l’autre, avec les mains ouvertes, montrant les paumes, remonte les épaules vers les oreilles et sur sa bouche faisant un geste d’étonnement. Un autre parle à l’oreille de son voisin et celui-ci qui l’écoute, se tourne vers lui et lui tend l’oreille en tenant un couteau à la main et dans l’autre le pain. L’autre en se tournant, avec un couteau à la main, renverse une coupe sur la table. L’autre pose les mains sur la table et regarde ; l’autre a le souffle coupé, l’autre se tourne pour voir de quoi il parle entre le mur et celui qui est penché» (Ottino, 1977, p. 97).

Mais nous en savons un peu plus sur l’exécution des personnages qui sont représentés dans la composition. Les dessins préparatoires qui sont conservés à la Bibliothèque Royale du château Windsor, réalisés à la sanguine, permettent de connaître les dessins précédents de quelques apôtres, comme Philippe, Judas ou Jacques le Majeur. Le croquis de la Galerie Dell’Accademia de Venise est également un élément important, car il représente particulièrement les apôtres tous regroupés, comme sur le mur du réfectoire, bien que la place de Judas n’est pas celle qui apparaît finalement dans l’œuvre définitif.

Un autre dessin, également de la collection Windsor, nous montre Judas de dos et éloigné du reste des apôtres, bien que finalement Léonard a décidé de peintre ce personnage en formant un groupe auprès de Jean et Pierre.

Et il en va de même pour Jean ; les esquisses montrent son corps incliné vers Jésus, et quelques unes d’entres elles, avec le bras de celui-ci posé autour des épaules de l’apôtre. Dans l’œuvre définitif il est représenté « en écoutant » Pierre. Probablement, afin d’éviter que ce geste soit interprété comme homosexuel, Léonard a sans doute décidé de les peindre séparément.

Mais le dessin qui attire le plus l’attention est celui dans lequel se trouvent Jésus et Judas au moment où le premier personnage annonce la trahison. Il montre Judas approchant sa main du plat qui se trouve sur la table, vers le plat auquel Jésus dirige en même temps la sienne, faisant allusion au passage mentionné dans l’évangile selon Matthieu 26, 23, reprenant la phrase suivant : « Celui qui a mis la main dans le plat avec moi, celui-là me trahira ».

Comme nous pouvons le voir, il existe de nombreuses interprétations qui peuvent être faites au sujet de qui sont réellement les personnages représentés dans l’œuvre la plus importante de l’artiste florentin ; heureusement, les données dont nous disposons, apportent un fondement solide à l’argumentation défendue par les historiens de l’art, des informations qui sont conservées dans les musées et les collections privés, ne laissent planer aucun doute à ce propos.

Les mystères de la Dernière Cène

La Dernière Cène est peut-être l’un des passages les plus importants de la Bible. C’est lors de ce moment qu’est réalisé le sacrement culminant du christianisme, l’eucharistie. Elle symbolise la remise du corps de Jésus-Christ à ses fidèles à travers une cérémonie qui évoque leur dernière réunion. Cette symbologie mystique a attiré et inspiré des artistes de toutes les époques. Comme Léonard de Vinci, ils ont voulu capter la magie de ce moment à travers des images métaphoriques.

Celles-ci vont bien au-delà de la simple représentation. Elles cherchent à creuser ce sens caché, presque ésotérique, qui a suscité la curiosité et éveillé l’imagination d’écrivains, de spécialistes et d’érudits.

– L’œuvre de Léonard de Vinci ne décrit pas que le sacrement sacré à travers des images. Elle reporte aussi un moment de tension entre les disciples et leur maître, au cours duquel ce dernier annonce la trahison imminente de l’unique fidèle qui reste dans l’ombre dans le tableau, Judas.

– Une hypothèse alternative évoque la possibilité que cette dernière réunion de Jésus avec ses disciples mette en scène un double message caché entre les deux protagonistes centraux de l’œuvre, avec leur position stratégique en forme de « V » (verre) et l’absence de calice sur la table. Selon de nombreuses études, Léonard aurait subtilement dissimulé ces indices pour révéler au public une partie des Textes Agnostiques de l’Évangile de Philippe. Dans ces derniers, il est dit que Marie Madeleine a été la compagne sentimentale de Jésus et la mère de son enfant. La Dernière Cène aurait été sa présentation publique.